Tajumise mehhanism klassikalises kunstis, impressionismis ja kaasaegses aeglases kunstis on tõepoolest sama. Iga kvaliteetne 19. sajandi lõuend muuseumis maandab meid, paneb meid uurima pintslitõmbeid ja annab vaikuse tunde. Kuid vanade klassikute ja kaasaegse kunsti vahel on üks oluline erinevus. See peitub aja kontekstis ja kavatsuses.
Kui impressionistid läksid loodusesse maalima, kasutasid nad oma ajastu tipptehnoloogiat. Maal oli peaaegu ainus viis visuaalse pildi jäädvustamiseks. Tänapäeval, mil igaühel on taskus võimas kaamera ja neurovõrgud genereerivad täiuslikke pilte kolme sekundiga, on õlivärvide valimine teadlik mäss. Õlimaaliga tegelemine tähendab tänapäeval kõige ebatõhusama, aeganõudvama ja kallima viisi valimist pildi loomiseks. Ja just selles „ebatõhususes“ sünnib uus väärtus.
Vanaaja meistrid püüdlesid ideaali poole, üritades ületada materjali piiranguid. Kaasaegne Slow Art seevastu ülistab materiaalsust ja käsitööd. Maailmas, kus digitaaltehnoloogia pakub veatut siledust, otsib vaataja meeleheitlikult inimliku jälgi: elavat, mõnikord tahtlikult hooletut palettnoa tõmmet, mida ei saa korrata, vigu, karedust, värvipisaraid. See kõlab kokku sellega, kuidas me eelistame tänapäeval käsitööleiba tehases valmistatud leivale või karedat käsitsi valmistatud keraamikat, millel on potisepa sõrmejäljed, täiuslike, kuid isikupäratute masstootmise tasside asemel.
Muuseumi klassikud on suurepärased, kuid distantseeritud kunstiteosed. Need kuuluvad igavikku. Kaasaegne aeglane kunst on kõige üllamas mõttes utilitaarne. See on loodud konkreetse inimese ja konkreetse ruumi jaoks. Maali ostmine elavalt kaasaegselt kunstnikult tähendab mitte ainult sisustusobjekti omandamist, vaid ka osa kunstniku isiklikust ajast, meeleseisundist ja energiast. Iga hea maal toob meid tagasi iseenda juurde, kuid kaasaegne aeglane kunst teeb seda siin ja praegu, toimides elavaks vastukaaluks meie hullumeelsele kiiruse ajastule.